Billetes

 La artista MariRoldan_ (que tiene cuenta en instagram), convierte los billetes de curso legal en obras de arte.

Billetes de euros hacen de tela para pintar cuadros famosos de Van Gogh, Picasso o Munch, respetando las normas del Banco de España para que sigan siendo válidos.

Un día que estaba inspirada, Mari Roldán cogió un billete de 5 euros y un bolígrafo y dibujó las manos de Adán y Dios, el fragmento de la pintura de Michelangelo de la Capilla Sixtina.  Lo utilizó para pagar en una cafetería.

Aquel fue el primero, pero esta artista malagueña, de 27 años, ha continuado utilizando los billetes de curso legal para pintar, pero ha cambiado el bolígrafo por los pinceles, con técnicas de acrílico y óleo. El papel en el que se imprimen los billetes es muy resistente y 100% de algodón.

 Ha reproducido obras tan famosas como "La noche estrellada" y "Los girasoles", de Vincent Van Gogh;  "El peto" de Gustav Klimt;  "Guernica" y "Las señoritas de Aviñón" de Picasso o de otras de Dalí, Frida Kahlo o Banksy.

Ha utilizado billetes de 5, 10, 20 y 50 euros e incluso uno de 100 y en ocasiones necesita tres o cuatro billetes juntos para plasmar la obra elegida.

A veces le preguntaron si son falsos, pero los billetes que pinta Roldán siempre son de curso legal y, además, pueden seguir circulando porque conservan el valor.  El problema es que la gente prefiere guardarlos.

La pintura nunca tapa el número de serie y no ocupa más de la mitad del billete, como marca el Banco de España para los euros manchados, con inscripciones o rotos.

De hecho, si una de las obras de Mari Roldán llegara al Banco de España, podría cambiarse por un billete nuevo del mismo valor.

Al margen de los aspectos legales, el artista andaluza las está vendiendo por un valor que multiplica por cuatro el del billete original.

Los compradores le han llegado, sobre todo, de Málaga, a través de las redes sociales como TikTok, en donde tiene  150.000 seguidores, en donde muestra el proceso de las pinturas.

Mari Roldán, que también pinta monedas de dos euros, también se inspira en cómics y series populares para pintar los billetes.  Tiene, por ejemplo, dibujos de "Spiderman", "La casa de papel" o "El juego del calamar".

Roldán quería ser azafata de vuelo.  En 2017 fue a apuntarse a una academia,  pero la rechazaron por tener tatuajes.

Tras el primer disgusto, se le ocurrió "pintar sobre dinero para que una parte de mí viajara por el mundo", dice.

Tiene una treintena de tatuajes, incluidas algunas pinturas famosas que también ha llevado a sus billetes, como "La creación de Adán", "Mujer con palomas" o "La noche estrellada".

Otro artista Won Park, hace papiroflexia con los billetes.

The Fabiola Project, Francis Alÿs

 Uno de los recursos empleados por los artistas para hacer su obra es repetir algo muchas veces. Si trabajamos con un solo ejemplo de alguna cosa, puede tener un efecto relativo, pero si ese elemento lo multiplicas, el efecto aumenta exponencialmente.

El artista Francis Alÿs, (1956, Amberes), es un artista belga que reside en México. Su trabajo surge del espacio interdisciplinario que comparten el arte, la arquitectura y las prácticas sociales. En 1986 dejó atrás su profesión como arquitecto y se reubicó en la Ciudad de México.

Francis Alÿs reconoce que todo empezó en Bélgica, como una curiosidad personal, sin método ni sistema. Allí se topó con la misma imagen de Fabiola en dos stands diferentes en el mismo mercado. Y…se la fue encontrando en distintas versiones, que fueron despertando en él una intuición… y así empezó a coleccionar.

Desde hace muchos años colecciona incansablemente retratos de Santa Fabiola, hechos por él o por otros artistas (la mayoría anónimos), recorriendo mercadillos y museos de los cinco continentes. Muchos los ha descubierto él, y otros se los han enviado personas de todo el mundo. Por el momento, que sepamos, ha conseguido recopilar más de 500 retratos, todos ellos basados en el retrato original de Jean-Jacques Henner: Fabiola con velo rojo (1870-90), actualmente en paradero desconocido. El Reina Sofía dedicó una exposición a la colección de Alÿs hace ya algunos años. Algunos dicen que este artista, a través de este proyecto, intenta resaltar el valor de la obra anónima.

En una entrevista habla del "aura" de misterio que rodea la colección. Ese halo o «aura«, según el propio Alÿs, está constituida, fundamentalmente, por el hecho de que todos esos retratos de la Santa son retratos hechos a mano. Es como una condición para pertenecer a la colección.

¿Por qué Santa Fabiola? ¿Por qué ella? ¿Quién fue esta mujer? ¿Qué vio Francis Alÿs en ella?.

Ella fue la primera que fundó un hospital para recoger a los enfermos de las plazas públicas y restablecer los cuerpos de los miserables consumidos de dolencias y de hambre. "¿Tendré que describir aquí las diversas calamidades de estos hombres: narices mutiladas, ojos vacíos, pies medio quemados, manos entumecidas, vientres hinchados, caderas atrofiadas, piernas inflamadas y hervideros de gusanos que salían de carnes carcomidas y pútridas?."

Fabiola es la patrona de las personas divorciadas, de las víctimas de infidelidades, adulterios y abusos…así como de los matrimonios difíciles.

En ocasiones Alÿs ha utilizado el rumor como herramienta artística, diseminando obras efímeras, basadas en la práctica, de boca en boca y por medio de la narración de cuentos.

Lo mejor de todo esto es que yo tengo un retrato de Fabiola en mi casa, las dos últimas fotos están hechas por mí, hace años.

Las rayas

 Me gustan las rayas. Tengo muchas camisetas y jerséis con rayas. Cuando me compro una nueva prenda con rayas en casa siempre dicen: "en tu línea".

Cuando fuimos a Céret, comiendo en la plaza, en un momento dado había cuatro personas a la vez, que llevaban jerséis con rayas.

El reconocible suéter a rayas, o la camiseta a rayas, se convirtió en una de las prendas favoritas de Picasso, tal y como podemos ver en muchas fotos. Este diseño vistoso fue parte del uniforme oficial de los marineros de Bretaña desde mediados del siglo XIX, que manera eran más fácilmente distinguibles si caían por la borda.

Coco Chanel se dio cuenta del atractivo de esta combinación de rayas, y se la apropió para sus diseños de moda en 1917. Las rayas azules debían medir un centímetro, y las blancas el doble. Muchas mujeres de clase alta y artistas la vistieron como un símbolo de rebeldía, ya que rompía todos los cánones de vestuario de la época. Desde entonces, el uniforme de los marineros bretones se convirtió también en un símbolo de transgresión inseparable de Picasso.

De atuendo de marineros al chic francés.

Su primera encarnación tuvo lugar en Bretaña, donde la lana bretona era tejida firmemente para confeccionar suéteres que los pescadores usaban para abrigarse cuando salían a la mar. En 1858, fue elegido por la Marina francesa, la cual decretó que sus 21 franjas blancas debían tener un grosor de 20 mm y sus 21 franjas azules debían medir la mitad. Después de que Chanel reinventara el atuendo chic de la costa, la camiseta marinera se convirtió en una eterna favorita de las mujeres más elegantes de todo el mundo. En la imagen Gabrielle Chanel con su perro en la Riviera Francesa en 1930.

La camiseta marinera llegó a conquistar a las estrellas del Hollywood dorado como Marilyn Monroe o la siempre estilosa Audrey Hepburn, en la imagen, con su icónico corte de pelo y unos pantalones pitillo. Un look que hoy mismo está de plena actualidad.

La camiseta marinera no ha entendido nunca de género y tanto hombres como mujeres han sucumbido a sus encantos. Cary Grant la llevó como nadie en 'Atrapa un ladrón', de Alfred Hitchock.

La camiseta marinera pasó de ser el robusto atuendo de los marineros del siglo XIX a un elegante objeto del celuloide que alcanzó su cúlmen con Brigitte Bardot en Contempt, el filme de Jean-Luc Godard de 1963.

Después de que Jean Seberg apareciera el filme con una camiseta a rayas combinada con un pixie y unos pantalones chinos, el majestuoso encanto costero que Gabriel “Coco” Chanel enalteciera por primera vez, en 1913, en su colección de atuendos con camiseta inspirada por los trajes marineros –y seguida por su primera línea resort lanzada seis años después– se convirtió repentinamente en conducto de un aire de complicidad romántica en lugar de ser únicamente reflejo del estilo de la Riviera.

Quién le iba a decir a Gabrielle Chanel que aquella ocurrencia suya de ponerse una prenda marinera iba a llegar tan lejos. En 1975 incluso Patti Smith se subía con una de ellas al escenario.

Con Madonna, en 1985, la camiseta marinera mostró su faceta más sexy y contestataria, llevándola con falda de inspiración sporty y en versión cropped.

Para algunos, esta camiseta marinera y sus rayas han llegado a convertirse en todo un símbolo, es el caso de Jean Paul Gaultier quien la ha convertido en seña de identidad personal y de su propia marca.

La camiseta de rayas ha ido pasando por todos los tiempos sabiéndose adaptar al estilo que era tendencia. La década de los 90 estuvo marcada por un nuevo movimiento, el grunge, y su rey Kurt Cobain también llevó esta polifacética prenda.

La camiseta marinera nunca perdió ese "je ne sais quoi" que la hizo una prenda tan codiciada en el mundo de la moda.

Spencer Tunick

 En la Massana cada año a final de curso, un profesor, de preferencia fotógrafo, hace una foto de todo el equipo de profesores como recuerdo del curso. Esta foto se entrega en el concierto que hacen antes de las vacaciones de Navidad. En el curso 2008 me dijeron a mí que la hiciera. Te daban libertad total para hacerla. Yo, que siempre trabajo referenciando a otros artistas, pensé en hacer un montaje con una foto de Spencer Tunick y las caras de los profesores.

En junio hice varias fotos del grupo de profesores en el patio y guardé las fotos. Busqué una foto de S T con bastante resolución, en concreto una que he puesto aquí (la cuarta foto) que está hecha en Chile. He leído que allí fotografió unas 5000 personas desnudas en pleno centro de Santiago de Chile a una temperatura ambiente bajo los 6 ℃. El debate moralista en torno al trabajo del fotógrafo duró casi 4 meses. Y luego, En 2007, el presidente de México Felipe Calderón intentó censurarlo, según dicho por S Tunick, después de que logrará fotografiar a más de 19.000 personas en el Zócalo de la Ciudad de México.

Luego en casa, con photoshop fui incorporando las caras de los profes, buscando donde más sonreían e intentando que coincidiera al máximo el efecto de realidad. El archivo llegó a tener más de 100 capas, una para cada cara.

Incorporé el texto que siempre pongo, la foto se editó en un tamaño bastante grande para ver el detalle y se entregó en Navidad. Los profesores se rieron bastante porque era un poco irreverente, todos mezclados, en fin...

S T había hecho, también, una foto en Barcelona, algunos de mis alumnos participaron y me contaron cómo había ido.

Spencer Tunick es un fotógrafo norteamericano (Orange, New York 1967) bien conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones a menudo situadas en localizaciones urbanas. Sus imágenes evidencian una serie de tensiones entre los conceptos de público y privado, tolerado y prohibido, moral e inmoral o individual y colectivo.

Tunick empezó este tipo de trabajo en los 50 estados de los Estados Unidos y desde entonces ha utilizado como escenario ciudades como Glasgow, Roma, Sidney, Montreal, Barcelona, Amsterdam o Ciudad de Méjico.

Para seleccionar a sus modelos y participantes, el artista realiza una búsqueda por Internet o bien repartiendo flyers por la calle, de manera que cualquier persona anónima puede colaborar en sus “instalaciones”, que es tal y como el artista denomina a estas performances.

En el caso de Barcelona, Tunick organizó esta instalación de masas el 8 de junio del año 2003. El rodaje se inició a las 4.30 de la madrugada en la Avenida Reina Maria Cristina y reunió a un total de 8.000 participantes que, desnudos se distribuyeron por toda la avenida, agachados y mirando al cielo, siguiendo las instrucciones del propio artista. El registro fotográfico de esta acción, una de las más multitudinarias de Tunick, concluía tres horas más tarde.

El montaje es bastante complejo, se hizo en junio, en la Avda Maria Cristina y participaron 7.000 personas. Allí, hay bastantes pabellones y la gente que participa tiene que tener un sitio donde dejar sus cosas y su ropa, se les van dando indicaciones con un altavoz y la foto se suele hacer con una grúa.

Sus modelos son voluntarios y reciben una foto firmada por el artista de la obra en la que han participado.

Fue arrestado en 1994 cuando una modelo femenina posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York).

Bueno, a mí no me paso nada.

   Chile

    Barcelona

El Pianista

 En el año 2003, fuimos a Málaga. Yo exponía mi serie Intimacy (100 obras) que me había comprado el coleccionista Enrique Ordóñez. La exposición era una iniciativa suya. Él tenía una ayudante "difícil". Al llegar a la sala de exposición, las obras estaban colocadas en el suelo, aún sin montar, yo había hecho los planos de cómo iban montadas. Yo empecé a mirarlas porque era la primera vez que las veía físicamente y ella me dijo: no se te ocurra tocarlas, el seguro no lo cubre, ejem...

Se hizo la exposición y todo bien. Siempre había problemas porque ella era feminista, yo iba con Víctor, vegana, feng sui y un poco rara. Compartíamos el hotel y desayunábamos juntos los tres. 

Aunque había cosas por allí, esos días se inauguró el nuevo Museo de Arte Contemporáneo y nos encontramos allí con Plensa y hubo una gran fiesta, en una especie de cortijo.

Un día, por la noche, después de ir de tapas nos metimos en un cine. Daban El Pianista de Polanski. El que vendía las entradas estaba cenando, se comía un huevo duro.

Entramos en una sala de cine inmensa y no había nadie, éramos los únicos espectadores. La sala estaba hecha polvo. Había asientos, a los que literalmente les habían arrancado el respaldo de una patada. 

Y la película, Polanski, el guetto de Varsovia ocupado por los nazis. Salimos de allí transtornados, entre la peli y lo cutre del cine.

La película muy buena, Polanski nos encanta, pero además dura 2 horas y media.

Nunca se nos olvidará.

Nivea

 Siempre he hablado de cosas que me gustan porque permanecen en el tiempo.

Nivea es una de ellas. Su caja color azul Klein siempre me ha encantado, tengo varías de todos los tamaños. Aunque tengo que decir que nunca la he usado. La textura que tiene, tan grasienta, me da repelús. El diseño de la marca ha sufrido retoques a lo largo de los años, adaptándola a las modas y siempre ha conservado el espíritu de buen rollo que da.

Nivea es una marca registrada de la Beiersdorf AG de Hamburgo, Alemania. Es una empresa de productos cosméticos, fundada en 1911 por el empresario Oskar Troplowitz, el químico Isaac Lifschütz y el dermatólogo Paul Gerson Unna, inventores de la primera crema hidratante de la historia. Es una gran marca mundialmente dedicada a la atención de la piel y el cuerpo.

El propietario de la empresa, Oskar Troplowitz, dio el nombre de Nivea, de la palabra latina niveus / nivea / niveum, es decir, "níveo/-a": de color blanco como la nieve.

La marca "Nivea" fue expropiada en muchos países tras la Segunda Guerra Mundial. En la actualidad, Nivea forma parte de una de las empresas multinacionales más grandes del mundo, Beiersdorf AG de Hamburgo, Alemania, que comercializa así sus productos en alrededor de 150 países.

Durante la década de 1980, la marca se impulsó a un amplio mercado mundial, mediante un proceso de internacionalización.

La Beiersdorf AG es una compañía pública alemana de bienes de consumo que cotiza en la bolsa de valores. Beiersdorf AG es especializada en productos de cuidado personal. Su sede se ubica en Hamburgo, en el distrito de Eimsbüttel, Alemania. Desde el 22 de diciembre de 2008, Beiesdorf es una de las empresas componentes del índice bursátil DAX, sustituyendo a Continental AG.

Actualmente, Nivea tiene abiertas 117 páginas web de otros tantos países. En todos los continentes.

Si vas a la página web de Nivea España te redirecciona a Amazon y la lata de 150 mililítros, vale 2,04 €.

En 2017, Nivea presentó un nuevo eslogan que decía «El blanco es pureza», que decidieron retirar tras las críticas porque hacía claras referencias al racismo.

El cese del acuerdo comercial en 2019 entre Nivea y su agencia de publicidad FCB&FiRe se produjo a causa de rechazar una campaña publicitaria LGTBI y de un comentario homófobo de un alto ejecutivo de la empresa: "Nosotros no hacemos cosas para gays".

Las últimas cifras de venta son de 2008:

"En la tensa situación económica actual, Beiersdorf puede continuar imponiéndose con mucho éxito en el mercado con su claro enfoque en el cuidado de la piel y la belleza.

Las cifras comerciales preliminares del Grupo Beiersdorf para 2008 muestran unas ventas de 5.970 millones de euros (año anterior: 5.507 millones de euros) y un EBIT (excluidos los efectos especiales)de alrededor de 695 millones de euros (año anterior: 684 millones de euros).

El segmento de negocio de consumo en particular aumentó sus ventas en 2008 a 5.125 millones de euros (año anterior: 4.661 millones de euros), una vez más se desarrolló con gran éxito con un crecimiento orgánico (ajustado por tipo de cambio y excluyendo adquisiciones) del 8,6% y, por lo tanto, se mantuvo significativamente desde el desarrollo del mercado.

Las ventas fueron de 845 millones de euros (año anterior: 846 millones de euros); esto corresponde a un crecimiento orgánico del 1,2%. En el cuarto trimestre del año pasado en particular, el negocio industrial que depende de la economía, se vio afectado negativamente por la evolución económica de la industria automotriz, por ejemplo. 

En general, el crecimiento orgánico de las ventas fue de un crecimiento ajustado por los efectos del tipo de cambio, sin las adquisiciones del Grupo Beiersdorf realizadas a finales de 2007 7,5%. Incluyendo las adquisiciones, el crecimiento es del 10,6%. 

Con un 8,6 %, el crecimiento de las ventas en nuestra división principal de consumo está exactamente en el corredor al que nos habíamos apuntado a principios de año. Las tres marcas principales, NIVEA, Eucerin y La Prairie, mostraron un crecimiento de dos dígitos en todo el mundo.

La pelota azul también es un buen icono. En mi casa siempre la hemos tenido.

En busca del tiempo perdido

 Ayer vi una foto de Marcel Proust (nombre completo: Valentin Louis Georges Eugène Marcel Proust; (París, 10 de julio de 1871-París, 18 de noviembre de 1922) fue un novelista y crítico francés, cuya obra maestra, la novela En busca del tiempo perdido, (compuesta de siete partes publicadas entre 1913 y 1927) constituye una de las cimas artísticas del siglo XX. Su extensa novela fue enormemente influyente tanto en el campo de la literatura como en el de la filosofía y la teoría del arte.

"Además, fue uno de esos escritores famosos con manías al escribir."

Recuerdo cuando esperaba ansiosamente que fuera de noche para seguir leyendo la novela. En su primer libro dedica 560 páginas para explicar que su día a día consistía en esperar a que su madre le  diera el beso de buenas noches. Nunca he leído nada igual.

En ella, el autor francés realizó una labor de introspección en la que, recordando todo su pasado y rescatando de esta manera recuerdos nítidos y sensaciones, logró retratar su vida en una narración dentro de la cual se colocó como narrador omnipotente de su escritura autobiográfica, creando un estilo onírico característico, donde un olor, un sabor pueden cobrar suma importancia, y saltar a otra memoria, creando de este modo un increíble mar de literatura.

Se sirvió de la fortuna familiar para vivir sin trabajar y dedicarse a escribir, aunque sin ningún éxito durante más de veinte años. En ese tiempo solo consiguió escribir una novela que nunca concluyó y que no publicó, además de artículos y traducciones que no recibieron demasiada atención.

En 1907 comenzó la que sería la primera parte de su gran novela y que titularía Por el camino de Swann (Du côté de chez Swann), publicada en 1913 a cuenta del autor. La segunda parte, A la sombra de las muchachas en flor (À l'ombre des jeunes filles en fleur) obtuvo el Premio Goncourt en 1919.

À la recherche du temps perdu es una gran reflexión sobre el tiempo, el recuerdo, el arte, las pasiones y las relaciones humanas atravesada por un sentimiento del fracaso y el vacío de la existencia, animada por más de doscientos personajes —que Proust compuso cuidadosamente amalgamando en cada uno trazos de tal o de cuál de las personas que había conocido a lo largo de su vida— y fundamentalmente por el narrador, a quien seguimos en su largo y minucioso recordar desde el día en que una magdalena remojada en té reabrió inesperadamente a su memoria las puertas de un pasado lejano y olvidado ya (véase: Magdalena de Proust), que poco a poco comienza a ser exhumado mediante toda clase de recursos imaginables puestos en práctica a lo largo del relato: descripciones poéticas, comparaciones y metáforas, reflexiones filosóficas y exposiciones literarias de teorías metafísicas, anécdotas, discusiones y conversaciones que entrecruzan los más variados personajes en los más diversos lugares.

En busca del tiempo perdido o —de acuerdo con otras traducciones— A la búsqueda del tiempo perdido o A la busca del tiempo perdido (À la recherche du temps perdu, en francés) es una novela de Marcel Proust, escrita entre 1908 y 1922 que consta de siete partes publicadas entre 1913 y 1927, de las que las tres últimas son póstumas. Es ampliamente considerada una de las cumbres de la literatura francesa y universal.

Las siete partes de la obra son:

Por el camino de Swann

A la sombra de las muchachas en flor

El mundo de Guermantes

Sodoma y Gomorra

La prisionera

Albertine desaparecida

El tiempo recobrado

Según Le Monde está en el segundo puesto de los 100 mejores libros del siglo XX, después de El Extranjero de Albert Camus.

El Libro Guinness de los Récords ha otorgado este reconocimiento a la novela En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust. Una obra compuesta de siete partes, publicadas entre 1913 y 1927, pero que forman parte todas ellas de un mismo conjunto. Un total de 1.267.069 palabras o, lo que es lo mismo, 3.031 páginas.

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